Dugotrajni proces nastajanja Pariške izložbe izazvao je velika očekivanja. Godine 1911., René Guilleré, predsjednik Société des Artistes Décorateurs, predložio je međunarodni događaj koji bi potvrdio francusku nadmoć u dizajnu, posebno suočen s njemačkom konkurencijom.
Međunarodna izložba moderne dekorativne i industrijske umjetnosti otvorena u Parizu prije 100 godina, 28. aprila 1925. godine, bila je prekretnički događaj u evoluciji umjetnosti, arhitekture i dizajna, te je izazvala veliko interesovanje kako zbog izloženih radova, tako i zbog njihovog uticaja.
Izložba je izvor interesa i inspiracije još od Drugog svjetskog rata, a obilje objavljenih radova o njoj svjedoči o njenom kontinuiranom značaju. Označila je prekretnicu u estetskoj koncepciji tog perioda, onoj koja se namjerno nastojala distancirati od historicizma i naglasiti originalnost i novost i u umjetničkim i u industrijskim kreacijama.
Rođenje „modernog“
Dugotrajni proces nastajanja Pariške izložbe izazvao je velika očekivanja. Godine 1911., René Guilleré, predsjednik Société des Artistes Décorateurs, predložio je međunarodni događaj koji bi potvrdio francusku nadmoć u dizajnu, posebno suočen s njemačkom konkurencijom.
Odobrena 1912. godine, njena proslava je prvobitno bila zakazana za 1915. Međutim, odgođena je zbog Prvog svjetskog rata i zapravo se nije održala sve do 1925. Tokom ovog perioda, izložba je bila široko reklamirana u štampi i specijalizovanim časopisima, stvarajući priliku za stvaranje novog stila.
Ideja inovacije ogledala se u smjernicama izložbe, koje su zahtijevale da djela budu prethodno neobjavljena i isključivala su svaku reprodukciju historijskih stilova. U četvrtom članku izričito je navedeno da će biti prihvaćena samo djela „nove inspiracije i stvarne originalnosti“, zabranjujući kopije i imitacije iz prošlosti.
Iako je cilj bio podsticanje novog estetskog jezika u skladu sa društvenim i tehnološkim promjenama, ova smjernica je izazvala debatu o tumačenju „modernog“. Nedostatak jasnih kriterija doveo je do proizvoljnih odluka.
Izložba je stoga postala poprište napetosti između dizajnera koji su prihvatili radikalnu avangardu i onih koji su, ne odričući se modernosti, održavali određene veze sa tradicionalnim stilovima.
Dvije vizije modernosti
Za konzervativnije arhitekte i dizajnere, izložba je predstavljala kulminaciju stila koji se stvarao od početka 20. vijeka.
Većina francuskih i drugih evropskih paviljona interpretirala je modernost kao izraz stila tog vremena, često spojen s lokalnim elementima. Španski paviljon bio je odličan primjer: dizajnirao ga je Pascual Bravo, a crpio je jasnu inspiraciju iz tradicionalnih stilova Andaluzije.
Iako je izložba isključivala historijske stilove, narodna umjetnost – zajedno s nizom drugih referenci poput egzotike, kubizma, francuskog neoklasicizma i mašina – bila je uključena u mnoge projekte. Ovo je pokazalo raznolikost pristupa unutar art decoa, gdje su prevladavali ukrasi s niskim reljefom i geometrijski motivi.
Međutim, avangardisti su smatrali da izložba pojačava dekorativni pristup daleko od istinske modernosti. Belgijski arhitekt Auguste Perret, na primjer, tvrdio je da prava umjetnost ne zahtijeva dekoraciju. Sa svoje strane, knjiga švicarskog arhitekte Le Corbusiera L'Art décoratif d'aujourd'hui (Dekorativna umjetnost današnjice) kritizirala je pojam „moderne dekorativne umjetnosti“ i navela da istinska modernost ne bi trebala uključivati ornamentiku – ideju koju je Austrijanac Adolf Loos već godinama ranije iznio.
Zaista, paviljon L'Esprit Nouveau koji je dizajnirao Le Corbusier sukobio se s dominantnim art deco stilom izložbe, kao i sovjetski paviljon Konstantina Melnikova i radnička kantina Aleksandra Rodčenka. Ova djela šokirala su javnost i kritičare predstavljajući radikalno drugačiju viziju modernosti.
Stogodišnje naslijeđe
Sto godina nakon svog otvaranja, Pariška izložba ostaje prekretnica u historiji dizajna. Njen utjecaj nadilazio je čisto estetske okvire i učvrstio je art deco kao jedan od najvećih dekorativnih stilova stoljeća. Također je poslužio kao pozornica za pojavu Modernog pokreta, čije će racionalističke ideje transformirati dizajn budućnosti.
Kasniji primjeri decoovog utjecaja uključuju Chrysler Building, Empire State Building i stolice koje je dizajnirao Jacques Émile Ruhlmann, dok nam je Moderni dizajn dao čiste linije Ville Savoye, zgradu Bauhaus u Dessauu i namještaj Le Corbusiera, Pierrea Jeannereta i Charlotte Perriand.
Koegzistencija ove dvije vizije na izložbi istakla je ključnu debatu koja i danas odjekuje: ravnoteža između tradicije i inovacije u dizajnu. Pored svoje uloge u definiranju stilova, izložba je pokrenula fundamentalna pitanja o odnosu između umjetnosti i industrije, funkciji ornamenata i potrebi povezivanja dizajna sa društvenim zahtjevima. Ove tenzije su i danas relevantne, gdje izazovi kombinovanja kreativnosti i industrijske proizvodnje i dalje postoje.
Izložba iz 1925. godine stoga nije bila samo izložba estetskih promjena svog vremena, već i ključni trenutak koji nastavlja inspirisati savremeni dizajn. Njeno naslijeđe nas poziva da razmislimo o prirodi modernosti i kako se ona razvija tokom vremena.
